David Garrett: As árias de Mozart não são tão diferentes das canções pop de hoje!

By Matic Majcen - 05.04.2025

O violinista de 44 anos se apresentará em Stožice no dia 23 de abril e, antes disso, ele nos explicou como vê a diferença entre música clássica e pop, que ele combina com tanto sucesso em um espetáculo musical que lota salas de concerto.

David Garrett teve uma carreira musical fascinante. O violinista alemão frequentou o prestigiado Conservatório Juilliard em Nova York e se estabeleceu como um nome em ascensão na música clássica durante seus estudos. Então, após a virada do século, ele começou a tocar arranjos para violino de peças populares de pop e rock, além de clássicos, e o projeto se mostrou tão bem-sucedido que gradualmente se tornou sua abordagem central, com a qual ele agora lota salas de concerto no mundo todo.

A apresentação de David Garrett em Stožice será sua terceira na Eslovênia. "Apresentei-me aqui pela primeira vez logo após terminar meus estudos na Julliard, quando executei o concerto de Sibelius em Liubliana com a orquestra local. Depois, me apresentei em Liubliana como parte da turnê após o lançamento do álbum Explosive (2015)", ele nos contou antes de sua apresentação no Stožice Hall.

Como ele diz, ele tem boas lembranças da Eslovênia, mas mais no sentido musical do que turístico.

Infelizmente, ainda não tive tempo de conhecer a cidade. Costumamos seguir uma agenda extremamente rígida para que a turnê funcione bem em termos financeiros. Então, as cidades da turnê vão surgindo uma após a outra. Mas ainda estou ansioso para tocar com vocês novamente. Ainda me lembro muito bem do meu primeiro concerto com a orquestra lá, então estou feliz por estar de volta.

MM: Em aparições públicas, você frequentemente explica que nem se lembra de quando começou a tocar violino, pois esse instrumento o acompanha desde muito jovem. Quando foi que você chegou ao ponto em que decidiu não seguir o caminho habitual de tocar música clássica, mas que seu futuro seria mais sobre tocar sucessos do pop e do rock?

DG: Não foi exatamente uma decisão. Não foi que eu disse a mim mesmo que em algum momento começaria a misturar gêneros. Foi mais como se eu tivesse experimentado um pouco essa abordagem no meu tempo livre, com amigos. Eles me pediram várias vezes para tocar algumas peças para seus projetos. Quando perguntei que tipo de música queriam, suas preferências variaram entre atuação, dança e assim por diante. Além disso, os departamentos da Juilliard não incluem apenas música clássica. Tive várias oportunidades de tocar arranjos para violino de peças populares. No início, foi mais uma coisa divertida. E ainda é, na verdade. Tudo aconteceu naturalmente. Sabe, quando me mudei da casa dos meus pais, me interessei muito por música em todas as suas formas. Até os 18 ou 19 anos, eu estava cercado apenas por música clássica. Você pode imaginar como é emocionante para alguém redescobrir todos esses gêneros musicais com os quais não estava familiarizado antes. Eu tinha uma forte motivação para ouvir, experimentar e adquirir conhecimento sobre tudo o que existe no campo musical além da música clássica. "Antes de mais nada, tratava-se do desejo de descobrir algo novo."

MM: O interessante na sua abordagem é, claro, que o rock em particular muitas vezes tem valores muito diferentes da música clássica. O rock geralmente é mais sobre improvisação do que sobre notas escritas, e até mesmo cometer erros de propósito é um valor positivo. Músicos de rock famosos costumam dizer que seus melhores álbuns contêm erros que dão o toque final a essas músicas. Então, qual é a sua abordagem — você segue rigorosamente as músicas originais nos seus arranjos ou se dá a chance de se desviar?

DG: Discordo de você em parte do que disse. Se você ouvir gravações de grandes violinistas, verá que o conceito de tocar perfeitamente afinado não existe. Mesmo na música clássica, você precisa ter sua própria afinação. Se você ouvir o grande violoncelista Pablo Cazals ou Isaac Stern, por exemplo, isso é muito óbvio. Você encontra até mesmo fraquezas óbvias em Stern, então podemos dizer que ele é perfeito apenas no contexto de sua própria abordagem. Se você toca perfeitamente afinado, isso também é percebido como errado na música clássica. Essa música é estéril. Se todos tocassem perfeitamente, não haveria tendência a encontrar sua própria afinação, som, seus próprios erros. Se assim fosse, a música clássica não seria pessoal. Mas a música deve ser pessoal. São os erros que tornam a música clássica pessoal e, portanto, viva.

Isso certamente é verdade quando se trata de improvisação. Há uma falta de improvisação na música clássica. Como músico, você interpreta a notação musical, o que é completamente diferente da música rock. Mas você sabe, eu sou uma pessoa muito curiosa e a improvisação sempre foi fascinante para mim. Quando estudei na Juilliard, também havia um departamento de jazz. Toquei música com os músicos deles diversas vezes e foi fascinante observar como eles praticavam. Para músicos de jazz, é uma maneira completamente diferente de praticar. Com eles, o mais importante é que a improvisação seja mais fluida. Lá aprendi muito sobre como músicos que não tocam música clássica criam. Mesmo quando entro no estúdio sozinho para gravar demos, a maior parte da minha execução é improvisada. Então, posso não ter muitas habilidades de improvisação, mas definitivamente tenho algumas."

MM: A música rock já atingiu um nível de complexidade semelhante ao da música clássica?

DG: Depende do que estamos comparando. Mesmo na música clássica, temos muitas composições simples e fáceis de escrever, escritas por grandes compositores. Mozart, Beethoven, Brahms e Tchaikovsky não escreveram apenas sinfonias e óperas. Em canções de rock ou pop, essas são peças de três a cinco minutos, e se compararmos isso com peças tão longas de música clássica, então, para ser sincero, a diferença não é tão grande. Se pegarmos, por exemplo, uma ária de Mozart, temos também um verso, um refrão, depois uma ponte, outro verso, um refrão, e a peça termina. Portanto, o conceito de estrutura musical em si não é tão diferente assim. É claro que, se compararmos uma peça de rock a uma ópera, a história é completamente diferente. Mas mesmo uma ópera é, na verdade, uma espécie de coleção de várias peças, semelhante aos álbuns de música popular de hoje.

MM: Quando vi pela primeira vez a lista de faixas do seu último álbum, Millenium Symphony, fiquei impressionado com a incrível variedade de gêneros das faixas selecionadas. Por um lado, você escolheu faixas de dança como Moves Like Jagger e Titanium, sucessos latinos como Senorita e Despacito, até clássicos do rock como Seven Nation Army. Então, qual fator é decisivo na sua seleção de músicas para cover e incluir em um álbum?

DG: Em primeiro lugar, eu definitivamente escolho aquelas que são bem escritas e têm material musical suficiente para trabalhar. Também em termos de orquestração. Claro, é importante que sejam músicas que eu goste de ouvir e que eu geralmente aprecie porque têm uma certa qualidade. Na segunda fase, é necessário considerar que tipo de arranjo a adaptação terá. Por exemplo, onde os instrumentos de sopro estarão presentes, onde certos ritmos poderiam ser substituídos pelas cordas mais graves, como o violoncelo e o contrabaixo. Nas composições originais, geralmente há muitos ritmos eletrônicos. Depois, há a questão de se a melodia da música funciona bem no violino. Caso contrário, estou interessado em saber se consigo criar algo a partir de riffs e outros motivos, além da performance vocal. Depois de ter tudo isso resolvido, começo a gravar demos, seja com piano e violino ou com violão clássico e violino. Tento ouvir essas gravações objetivamente. E se funciona com dois instrumentos, na maioria dos casos é bem fácil fazer arranjos para um elenco maior."

MM: Você já conheceu alguma música que não pôde ser adaptada para uma versão clássica?

DG: O problema é quando a melodia é repetida demais. Isso se torna um problema. Um exemplo disso é o rap, em que a melodia não é o tema principal da música. Você pode encontrar alguns temas, mas a melodia em si é repetida demais na mesma tonalidade no rap. Isso nunca soaria bem em um violino. Não estou dizendo que isso acontece em todas as músicas de rap, mas acontece em um grande número delas.

MM: A tendência de adaptar música rock para música clássica e ter bandas de rock acompanhadas por uma orquestra é algo que tem sido muito popular no cenário musical global há cerca de 30 anos. Mas como essa tendência se encaixa na história mais ampla da música clássica? A música clássica teve músicos como você antes do século XX, que tocavam covers de músicas populares e eram vocalistas com seus violinos, movendo-se pelo palco no estilo dos vocalistas do rock de hoje, e que também tinham status de estrela como resultado?

DG: Por exemplo, se você observar o século XVIII, verá que não apenas os cantores eram extremamente populares naquela época, mas também os violinistas. Veja Niccolò Paganini como a figura mais famosa da história que tocava violino. Paganini foi, na verdade, o primeiro astro do rock da história. Até aquele momento, não havia ninguém como ele. As pessoas eram loucas por ele. Ele até vendia seus produtos oficiais naquela época. E elas eram loucas. Podia-se comprar perfume ou sabonete Paganini. (Risos) Isso fazia parte da magia da sua personalidade. É claro que, mais tarde, também tivemos mestres de outros instrumentos que se tornaram extremamente famosos, como Liszt e Chopin. Mas Paganini foi o primeiro astro do rock, e ele não era cantor.

MM: Suas performances parecem muito físicas. Como você consegue combinar toda essa movimentação no palco com uma execução de violino excelente?

DG: Claro, pode ser físico. No entanto, no meu caso, é extremamente importante que eu não exagere a ponto de começar a prejudicar a imagem sonora do que estou tocando. Portanto, você só pode fazer isso até que o som produzido seja o mesmo de se estivesse tocando violino em uma posição estritamente calma. Se você praticar a movimentação no palco e estiver em boa forma, isso é possível. Isso é especialmente verdadeiro para saltos, que você pode executar, mas apenas em momentos em que não precisa produzir um som específico. Em suma, esse aspecto também precisa ser praticado, mas para mim a qualidade do som está sempre em primeiro plano.

MM: Dada a variedade de músicas que você toca, você definitivamente deve ser um ouvinte apaixonado de todos os gêneros musicais. O que você ouve quando está dirigindo ou está com fones de ouvido?

DG: Ouvir todos os gêneros musicais é muito importante para mim. Isso porque eu não conseguiria tocar apenas um gênero no violino durante as apresentações. Meu ouvido ficaria cansado. É por isso que preciso escolher com muita sabedoria o que vou tocar. No entanto, não sou vocalista. Mesmo assim, os concertos precisam ser interessantes e inovadores. Eles precisam ter harmonias, ritmos e arranjos diferentes. Só assim é possível criar um evento de duas horas sem que pareça estar tomando muito tempo para você, como ouvinte.

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