DG: Sempre foi meu conceito equilibrar os projetos entre o clássico e o crossover. Infelizmente, devido à pandemia, não houve oportunidade de fazer concertos de música clássica. Era ainda mais importante para mim lançar meu álbum clássico ICONIC o mais rápido possível e apresentá-lo ao vivo para meus fãs.
Então parece um novo começo para você?
DG: Provavelmente não, porque na minha prática diária eu lido principalmente com música clássica. Mesmo ao preparar programas de crossover, minha rotina diária começa todas as manhãs com a prática de escalas e estudos. Não importa o que eu toque à noite, crossover ou clássico. Como tal, não parece nada novo ou velho. No entanto, é algo muito especial poder voltar a sair em digressão com um programa clássico depois de sobreviver à pandemia e à incerteza associada.
DG: As dificuldades econômicas que todos atravessam neste momento – não só devido à pandemia, mas também devido à guerra na Ucrânia – obrigam naturalmente a que as pessoas prestem muito mais atenção ao dinheiro e ao cálculo. Sei que ir a um show nessas circunstâncias é um luxo absoluto para muitas pessoas. Como artista, agradeço ainda mais o incentivo do meu público. Estou verdadeiramente abençoado e feliz que as pessoas amam tanto o meu trabalho que vem aos meus shows, apesar da situação difícil que estão enfrentando atualmente. O que, após três anos de pandemia, eu não esperava. Nós realmente fomos mimados pelo sucesso nos últimos doze anos. Estou ainda mais grato por esta grande confirmação do meu trabalho após a pausa relacionada ao corona. Porque estou ciente de que isso não é algo natural, muito pelo contrário.
Há quanto tempo você carrega essa ideia para o ICONIC com você?
DG: Acho que já estou envolvido com esse projeto há mais de 30 anos. Todo grande violinista produziu e gravou um álbum contendo pequenas peças especiais da história da música escritas para violino. Por exemplo, existem álbuns maravilhosos de Isaac Stern, Yehudi Menuhin ou Fritz Kreisler com peças curtas, musicalmente valiosas e ao mesmo tempo emocionantes.
Você está seguindo os passos de seus ídolos? Seja um Nathan Milstein, um Mischa Elman, Henryk Szeryng ou um Arthur Grumiaux: todos esses grandes violinistas já gravaram um álbum bis nesta tradição.
DG: A este respeito, é realmente uma obrigação fazer algo assim. E lembro que quando criança adorava ouvir os discos desses icônicos violinistas. Claro que também toquei um dos concertos de Brahms ou Beethoven. Mas meus discos favoritos sempre foram aqueles com essas faixas curtas e animadas. Onde você pode experimentar uma grande melodia após a outra e realmente apreciar o som individual de cada violinista. É por isso que o ICONIC é um projeto no qual estou envolvido há mais de 30 anos. O ano passado foi o momento certo para finalmente implementá-lo.
Vamos olhar para trás na história da música juntos: Como essas peças de bis foram usadas no passado?
DG: O melhor exemplo para explicar esse fenômeno é o filme histórico em preto e branco sobre Jascha Heifetz de 1953, "Portrait of an Artist", que assisti de cima a baixo quando criança. Nele, Heifetz caminha pela primeira vez pelo campus do Pomona College em Claremont, é abordado e então dá um concerto improvisado na frente dos alunos da faculdade. Este filme musical inclui peças que agora também podem ser encontradas no meu álbum, como Mélodie de Christoph Willibald Gluck de "Orpheus und Eurydike" ou Grigoraş Dinicus "Hora Staccato". Um pedaço verdadeiramente fascinante da história da música... Absolutamente! E aqui você pode ver: Heifetz só toca peças curtas neste filme musical. Naquela época, nas décadas de 1920 a 1950, era uma programação bastante normal cativar o público com essas "peças de exibição" e sua facilidade. E este vídeo mostra um dos realmente grandes violinistas. O mesmo se aplica a gravações ou concertos de Fritz Kreisler: There são noites de recital de Kreisler onde ele não toca uma única sonata, mas apenas peças muito curtas. O mesmo se aplica a Mischa Elman ou Itzhak Perlman.
Violino e violão fazem parte de todos os arranjos de ICONIC. Como os instrumentos se harmonizam?
DG: A inspiração para a interação de violino e violão foi relativamente fácil para mim, pois há, por exemplo, uma quantidade incrível de peças de Niccolò Paganini para essa instrumentação. O que poucos sabem: Paganini era tão virtuoso e hábil no violão quanto no violino. Já ouvi muitas peças nessa combinação e as achei muito lógicas. O piano é praticamente a base quando se tratava de harmonias e harmonias. A guitarra poderia, na verdade, se você quiser colocar um pouco mais livremente, ser descrita como o piano dos séculos 18 e 19 em muitas noites de duo. A guitarra tem uma história muito mais longa como instrumento de acompanhamento do que o piano. A esse respeito, acho o violão apropriado, porque na verdade é o precursor do piano.
Como você escolheu as faixas da turnê e do CD?
DG: Eu selecionei as peças com base em na adequação para a combinação de violino e violão. O violino tem que fazer isso harmonizar com a guitarra em duo e vice-versa. Eu tenho a mim mesmo ou seja, o repertório é apresentado nessas condições e procurado. E os arranjos são úteis em torno deste relativamente único conceito de dobra foi trabalhado ao redor. Como você implementará esse conceito no palco? Temos um trio clássico com uma constelação bastante inusitada: violino, guitarra e baixo. Isso é o que será visto no palco.
Por que você escolheu essa formação em trio?
DG: Este projeto foi criado durante a pandemia de Corona e é claro que era importante para mim manter o risco de contágio o menor possível. Quanto maior a ocupação, maior o risco de uma interrupção relacionada à Covid. Sempre me preparo de maneira ideal para uma turnê e, no momento, isso também inclui manter o risco de infecção por Corona o mínimo possível. É por isso que uma orquestra infelizmente não é uma opção no momento.
Agora vamos falar sobre as obras individuais. No início do concerto colocas uma peça cujo compositor poucos conhecem: "Sicilienne" de Maria Theresia von Paradis.
DG: Exatamente! Esta é uma ótima primeira faixa, pois é tão convidativa: a abertura perfeita para um show! O primeiro número de um show realmente tem que atrair o público para a noite musical. Também sou um fã inacreditável de Arthur Grumiaux, um excelente intérprete de Mozart que possuía uma leveza especial na execução e no tom. Lembro-me de ter ouvido a "Sicilienne" no concerto dos Grumiaux nessa altura, uma das peças que ouvia vezes sem conta quando era criança, por isso era muito importante para mim tê-la no programa.
Com a segunda peça Estrellita" de Manuel Ponce, que compôs muito para guitarra, abres então mais um capítulo...
DG: Sim, ou seja, o capítulo Jascha Heifetz. Heifetz contou a história de como surgiu seu arranjo, que ouviu "Estrellita" em um café na Cidade do México como uma peça puramente instrumental. Naquela época, ele imediatamente teve a ideia de arranjá-la em uma versão para violino e piano. E então você volta à era barroca para Christoph Willibald Gluck. Esta peça também pode ser vista neste vídeo de concerto "Portrait of an Artist" de Jascha Heifetz. Corre como um fio vermelho. Quando você faz um álbum, naturalmente também tenta elaborar um novo repertório para si mesmo. Pois teria tem sido chato para mim escolher principalmente peças para ICONIC que eu sempre toquei como bis. Nunca pratiquei cerca de 90 por cento das peças ICONIC em casa ou as toquei ao vivo. E é por isso que essa melodia de Gluck é do filme de Heifetz reorganizada em nosso próprio maneira, mas a inspiração vem de Heifetz.
Com Tempo di Minuetto no estilo "Gaetano Pugnani" de Fritz Kreisler você provavelmente escolheu uma das peças do seu coração, certo?
DG: Incluí deliberadamente esta peça no programa porque comprei recentemente um violino Del Gesù que Gaetano Pugnani possuía. E agora toco neste violino, um Guarneri del Gesù construído em 1734, uma obra que Kreisler compôs no estilo de Pugnani. Esta é uma das faixas maravilhosas que ouvi muitas vezes e ao mesmo tempo um dos poucos trabalhos da turnê ICONIC que toquei no passado. E então você leva seu público de volta ao inverno com uma frase das Quatro Estações de Vivaldi... Ainda está na minha lista de afazeres gravar as "Quatro Estações" completas. Mas até lá, tocarei esta peça bem conhecida para a parte do meu público que pode ser novato na música clássica É tocante, mas a melodia já foi ouvido antes. Também é ótimo que você pode sentir a neve praticamente escorrendo na peça. O próximo salto é grande: "Danse macabre" de Camille Saint-Saëns. Certamente uma das composições mais furiosas do francês.
Essa velocidade te inspira?
DG: "Danse macabre" é obviamente uma obra virtuosa e rítmica. Existem algumas peças clássicas que têm esse potencial, como a "Marcha Turca" de Mozart ou "A Quinta" de Beethoven. Agora que temos cinco peças, todas muito melódicas, eu queria para mostrar aqui o quão virtuoso o violino pode soar. "Danse macabre" é uma peça incrivelmente fascinante e emocionante porque também é baseada em um poema especial: "Égalité, Fraternité" de Henri Cazalis. É por isso que eu também vou ler alguns trechos do poema durante o concerto.
E então você toca uma das composições mais famosas de Saint-Saëns, O Cisne de seu "Carnaval dos Animais". Esta melodia também será reconhecida por muitos...
DG: Como, como disse, os meus concertos não são apenas frequentados por públicos com afinidade pela música clássica, gosto de variar também aqui. Não temos um nível tão alto de consciência nem com a "Melodia" de Gluck nem com von Paradis Sicilienne". Assim, o cisne é novamente uma peça para a parte dos meus ouvintes que não estão tão familiarizados com a música clássica. Saint-Saëns escreveu originalmente o "Cisne" para violoncelo e harpa, portanto nosso arranjo para violino e violão se encaixa particularmente bem aqui. Você não pode dizer isso sobre Joachim Raff e sua "Cavatina No. 3" O nome Raff só pegou no campo da música clássica nos últimos anos... Itzhak Perlman é o padrinho aqui. Muito antes de conhecê-lo pessoalmente e trabalhar com ele, eu era fascinado por sua música. Perlman também é violinista na tradição Heifetz e também fez álbuns de peças clássicas curtas. Entre eles está a Cavatina de Joachim Raff, Perlman tem um dos mais belos sons de violino de todos os tempos. Este tom suave é inconfundível. Ainda me lembro quantas vezes ouvi essa peça dele quando criança. Assim como tento aproximar peças clássicas conhecidas de pessoas que não estão familiarizadas com a música clássica, é emocionante apresentar aos apreciadores de música clássica peças com as quais eles podem não estar familiarizados.
Como você chegou a "Danny Boy"? Isso é uma verdadeira mudança de cenário novamente...
DG: É isso que o nome Fritz Kreisler representa para mim. Foi através dele que tomei conhecimento da canção folclórica "Danny Boy". Kreisler escreveu um arranjo da peça para violino. Ainda me lembro bem que minha mãe trouxe um velho disco de goma-laca de seu pai, que usei "Danny Boy " é a segunda peça de Fritz Kreisler que tocaremos ao vivo em concerto. Ao lado de Jascha Heifetz, ele é provavelmente a maior fonte de inspiração para mim em termos de arranjos e independência como artista.
Songs My Mother Taught Me" de Antonín Dvořák - mais conhecido na Alemanha sob o título "Como cantava a velha mãe" - é a próxima peça...
DG: A próxima peça é novamente de Fritz Kreisler. Porque "Songs My Mother Taught Me" é um dos arranjos de Kreisler que foi escrito para violino e piano. Dvořák publicou pela primeira vez a canção de arte em alemão em 1880, com um texto muito emocionante: Uma passagem de texto é, por exemplo: "Quando a velha mãe ainda estava me ensinando a cantar, é estranho que lágrimas caiam de seus olhos." Na minha opinião, uma bela linha de texto. Agora, outra mudança brilhante: A Marcha Turca" da Sonata para Piano nº 11 em Lá maior de Mozart. Mesmo aqueles que nunca ouviram a sonata na íntegra provavelmente conhecem essa melodia mundialmente famosa.
Estamos agora lentamente chegando ao final da primeira metade do show e é bastante tradicional que o público seja dispensado durante o intervalo com uma "peça de exibição". A "Marcha Turca" é adequada?
DG: Acho excelente para isso. É o primeiro arranjo que eu mesmo escrevi e que antes não existia para violino. Há também uma viragem no programa: até aqui só toquei arranjos dos meus ícones, reorganizei-os à minha maneira, mas até então todas as peças já tinham sido arranjadas para violino e piano. A este respeito, a "Marcha Turca" é a primeira peça que me caracteriza como um arranjador que segue os passos de Kreisler, Heifetz ou Milstein para encontrar peças emocionantes para o seu instrumento.
Em seguida, ouvimos novamente Vivaldi, agora "Summer" do Four Seasons...
DG: Com Vivaldi estamos no tempo da música barroca. Naquela época não havia piano moderno, porque isso só surgiu na época de Beethoven. O piano, tal como o conhecemos hoje, só encontrou o seu lugar como instrumento relativamente tarde. No entanto, acho que o cravo tem um som muito semelhante a um violão clássico. Vivaldi's Summer" é uma peça muito conhecida e virtuosa. Em uma turnê internacional tão grande como ICONIC, na qual também tocamos em países culturalmente muito diferentes, como Cingapura, Taiwan, China ou Austrália, uma peça tem que estar em o programa que realmente todo mundo conhece, o "Verão" de Vivaldi certamente estará no Top 20 Clássico e mais uma vez forma uma ilha para quem pode assistir a um concerto de música clássica pela primeira vez. Além disso, a peça libera meu público no intervalo com muita energia positiva.
Com o "Allegro moderato" de Dvořák, você está musicalmente novamente na Boêmia...
DG: Gosto do folclore de Dvořák, assim como gosto de Brahms, que também se inspirou no folclore. Acho que há algo muito especial nisso. A música folclórica é geralmente muito simples em termos de melodia, não complicada e, portanto, muito cativante. São praticamente canções folclóricas que eram assobiadas, cantadas ou cantaroladas e já foram muito populares. Aliás, o "Allegro moderato" é o primeiro movimento de um ciclo que Dvořák chamou de "Drobnosti" - que significa "pequenas coisas" - o que é, obviamente, um eufemismo. A melodia do movimento não é folclórica, mas inspirada no folclore. Dvořák tem fez algo muito único com isso. Não fica muito mais icônico do que o "Hino à Virgem" de Franz Schubert, mais conhecido como "Ave Maria".
O que te fascina nisso?
DG: Outro grande ícone meu é: Yehudi Menuhin. Há um maravilhoso filme em preto e branco dele jogando pelos feridos de guerra. Menuhin está ao lado de um soldado ferido e toca a "Ave Maria". Isso me comoveu muito. Acima de tudo, a expressão facial do soldado que passou pelo inferno e a música de Menuhin me impressionaram muito. Quando ouço isso hoje ainda tenho essas imagens na cabeça quando ouço ou toco "Ave Maria". Há algo de suplicante na peça: uma oração à Virgem Maria na esperança de salvação.
Conscientemente então segue com "Jeanie with the Light Brown Hair" de Stephen Foster e você se afasta um pouco dos caminhos clássicos, certo?
DG: Isso se chama peça clássica de salão. Stephen Foster tem aí escrito para sua esposa. No processo, uma peça muito encantadora e apaixonada foi criada. Eu costumava tocar muito esse trabalho quando criança porque eu tinha um disco de Isaac Stern com muitas músicas assim, como Flight of the Bumblebee.Há uma gravação muito boa de Jeanie with the Light Brown Hair com Isaac Stern. Até hoje me lembro de tocar esses arranjos em casa em Aachen. Isso significa que coloquei o disco para tocar, fiquei ao lado do alto-falante e toquei junto com Isaac Stern, porque achei o arranjo muito bom. Essa é uma lembrança de infância muito legal.
Essas gravações antigas tem um significado muito especial para você...
DG: Eles são basicamente porque eu pratiquei e porque eu queria ficar bom. Essa é a melhor motivação quando você está tão entusiasmado com a música que fica ao lado dos alto-falantes quando criança e toca junto. Claro que você não é músico nessa idade, você principalmente imita. Intuitivamente, você tenta fazê-lo à sua maneira. Eu ouvi esta peça pela primeira vez neste disco com Isaac Stern quando eu tinha cerca de oito anos e achei incrivelmente linda. Por exemplo, esta é uma peça que toquei muitas vezes como bis, mas nunca gravei, e claro que tinha que estar no álbum.
Depois da "Ave Maria" nós experimentamos você em um papel que você realmente quer viver pela primeira vez na turnê ICONIC...
DG: Exatamente. Com arranjos próprios - além de Mozart do primeiro tempo, uma peça de "Astúrias" e "Tico Tico" de Isaac Albeniz. Arranjos que nunca existiram antes para o violino. Tendo tocado peças de todos os meus ícones musicais - Heifetz, Kreisler, Stern, Perlman, Menuhin - gostaria agora de apresentar algumas das minhas próprias composições. Tico Tico" é minha homenagem à América do Sul.
A penúltima peça que você toca é seu Álbum crossover Explosive" e tem um título muito significativo: "Furious". Quão "furioso" é isso?
DG: Com esta peça eu queria mostrar o que é tecnicamente possível no violino. "Furious" é muito virtuoso e exigente. Além disso, é também uma peça que puxa o público junto. E ainda por cima.
"Hora Staccato"...
DG: Hora Staccato" é uma peça curta e rápida no estilo romeno Hora, escrita por Grigoraş Dinicu. Especialmente no arranjo de Jascha Heifetz de 1932, tornou-se um bis popular para violinistas. Consequentemente, também é para mim a última peça perfeita da noite.
A entrevista foi conduzida por Burkhard Schaefer
“Caro amigo É um grande prazer para mim finalmente poder fazer concertos clássicos novamente depois de tanto tempo, mesmo em salas de concertos esgotadas e palcos ao ar livre. Especialmente após a pandemia de corona, isso é tudo menos natural. Seu apoio me ajuda a me superar. Seu encorajamento é meu motor e meu impulso.
Estou ansioso por cada show da turnê ICONIC e, claro, poder tocar para vocês todas as noites com a mesma dedicação. Para mim não há nada melhor do que fazer você feliz com a minha música. Entre todas as notícias por vezes terríveis com que temos de lidar todos os dias, é sempre a música que nos proporciona tantos momentos bonitos e positivos e que nos permite esquecer tudo o que é negativo, pelo menos por agora. Você não pode me dar maior prazer do que se deixar tocar e encantar pelos arranjos que nós - Franck van der Heijden (guitarra), Rogier van Wegberg (baixo) e eu - apresentaremos a você.
À primeira vista, esta formação de trio é pouco convencional para um concerto clássico. Na verdade, porém, a combinação de violino e violão tem uma tradição muito mais longa na história da música do que a de violino e piano. Franck, Rogier e eu achamos essa conexão incrivelmente emocionante e esperamos poder mostrar a vocês com os shows como os instrumentos se harmonizam entre si.
Estou particularmente ansioso para apresentar meu novo violino nesta turnê pela primeira vez: um Guarneri del Gesù de 1734 que pertenceu ao grande virtuoso Gaetano Pugnani Tenho este violino que não é tocado há muito tempo, também adquiriu um pouco para este passeio para poder apresentá-lo a você. Para mim, o som de um violino Guarneri expressa a vulnerabilidade e fragilidade humana, enquanto um Stradivarius sempre soa um pouco sobre-humano. Especialmente com o repertório atual, cheio de emoções e sentimentos, o humano e frágil é muito mais importante para mim do que o som sobre-humano de um Stradivarius. É por isso que meu Guarneri del Gesù é o violino perfeito para os concertos ICONIC e espero que você goste de ouvi-lo tanto quanto eu gosto de tocá-lo."
Atenciosamente
Seu David
Com isso em mente, desejamos a você uma ótima experiência de concerto e uma feliz Páscoa.
ROGIER VAN WEGBERG - BAIXO
Rogier começou a tocar baixo aos 15 anos. Logo depois, ele conheceu Franck van der Heijden, que também tocava baixo, mas mudou para guitarra e arranjos. Eles se juntaram e formaram uma banda. Aos 18 anos, Rogier foi para o conservatório em Hilversum (Amsterdã). O que se seguiu foi uma banda acompanhando vários artistas holandeses. Desde 2003 ele é o editor de áudio para as produções de TV e álbum do "Night of the Proms" e é o baixista do "Night of the Proms" desde 2007. Ele acompanhou uma lista incrível de artistas que vão de The Jacksons, Chic, Seal a Aznavour, Celine Dion e assim por diante. Rogier van Wegberg também ensinou baixo em vários conservatórios. Rogier van Wegberg é membro da banda de David Garrett desde 2018 como baixista e guitarrista. Para atender às demandas musicais da turnê "Icônica", ele procurava um "baixo" especial. Ao fazer isso, ele se deparou com o "Vimana" de Davide Cardone, um instrumento com 4 cordas graves e duas cordas superiores adicionais (EADGCF).
www.rogiervanwegberg.com
FRANCK VAN DER HEIJDEN - GUITARRA
Franck, que mora em Baarn, na Holanda, formou-se no Hilversum Conservatory em 1990, com especialização em composição, arranjo e violão. Desde então, ele tem demonstrado regularmente seus talentos musicais versáteis como arranjador, compositor produtor e músico. Como compositor, ele escreveu muitos trabalhos originais para gravações de áudio de outros artistas, música para comerciais, eventos ao vivo e produções de rádio e TV. Como arranjador e/ou produtor, Franck trabalhou para artistas como Andrea Bocelli, Sia, Mr. Probz, Rihanna e as estrelas do rock holandês "Within Temptation". Ele também escreveu os arranjos orquestrais para o single de Michael Jackson "Hold my hand" (do álbum: Michael) e "Never felt so good" (primeira faixa do álbum "Xcape") Também: Produção do novo álbum de David Guetta "Listen" , lançado em 2014 foi lançado e traz suas faixas de sucesso "Dangerous" e "Lovers On The Sun". E, claro - por último, mas não menos importante - a colaboração extremamente bem-sucedida com David Garrett. Como diretor musical, Franck van der Heijden esteve envolvido em várias produções ao vivo, incluindo a turnê de imenso sucesso Night of the Proms. Neste contexto, a colaboração regular com David Garrett começou em 2002. Desde então, Franck, em sua dupla função de arranjador e produtor, esteve intimamente envolvido no trabalho de todos os álbuns crossover de e com David Garrett. Ele também assumiu o papel de diretor musical e co-arranjador da trilha sonora do filme "Der Teufelsgeiger". Ele fez os arranjos de cordas para o álbum de Celine Dion de 2016, a regravação de 'Where is the Love' do Black Eyed Peas e os arranjos orquestrais de 'This One's for You' para o futebol da UEFA. Franck van der Heijden escreveu o Campeonato Europeu. A cerimônia de encerramento em Paris em 10 de julho, onde finalmente subiu ao pódio do maestro, foi assistida por 80.000 espectadores no estádio e mais de 800 milhões em todo o mundo nas telas.
www.franckvanderheijden.com
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P.S. O resumo da bio dos músicos parceiros de DG nesta turnê é muito bem-vindo.
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